“在他的作品里，我们看到一种民国气息，尤其是那些融合中西的作品，隐藏着一种早已逝去时代的特殊表情，回到历史的深处，去寻找生命的源头，或许，才能看到一个真正的陈钧德。”
陈钧德（1937-2019)是中国当代重要的油画家、美术教育家，“陈钧德艺术与文献特展”（9月10日至10月7日）正在上海刘海粟美术馆举行。
展览梳理了陈钧德的艺术之路，他与颜文樑、刘海粟、林风眠的交往，以及逐渐确立自己超然物外的风格。展览开幕当天，在刘海粟美术馆馆长鲍薇华的主持下，原中国美术学院院长、中国油画学会会长许江、艺术评论界贾方舟、尚辉等，以及陈钧德的学生、家人，此次展览的策展人靳文艺、丁曦林、郦韩英等参加了学术座谈。以下为发言摘录。
陈钧德，《自画像》，50×40cm 布面油画，1963
研讨现场
许江（中国文联副主席、中国美协副主席，中国油画学会会长）：
这不仅是陈钧德老师的回顾展，可以作为改革开放40年来油画变革史看，展示的不仅仅是一种个人风格的变化，更是一种艺术语言的深刻变迁。
我觉得陈老师的一生，有三个阶段的变化。第一个阶段，20世纪70年代末，改革开放带来的巨大变迁。在之前，陈钧德已经师从刘海粟、颜文樑、林风眠等老先生。他的艺术带有上海传统都市写意的影响。但他的艺术中，我觉得还有像决澜社的倪贻德、庞薰琹等人的影响。
展览中，陈钧德作品《家乡的河》，可见其受林风眠的影响
我看到展厅中有一幕特别有趣，一边是塞尚画册，一边是他临摹的古画。塞尚画册是巴金买了去的，他实在喜欢，巴老割爱让给了他，后来他又捐给了巴金故居。这本塞尚画册，我估计陈钧德没少研究，而且是在改革开放之前没少研究。另一边他大约70年代初临摹的古画，这是我们这一代刚刚开始学油画的时候，他用油画、用相对后印象表现的方法，探索临摹和研究中国古画的可能性。
展览现场，展出的一本塞尚画册和巴金纪念馆捐赠赠书
所以当时稍有开放，印象派、后印象派的画册进入中国，给他带来很大的影响，他的色彩为之一亮，而且画法也不一样。期间代表作有我们熟知的《曾经有普希金肖像的街头》，还有《复兴公园雪霁》 。复兴公园是他和海老一起画的，我觉得是用后印象派的方法画中国风景画得最好的一张，从运笔到用色，浑然天成，是那个时代，中国人怀揣印象派理想的精品。
展览中，陈钧德和刘海粟在同一位置写生的复兴公园，右为陈钧德作品。
第二阶段是90年代中后期，他有两次出行，一次是到云南，在那个红土绿树茂密的地方，他找到了红绿对比的亮色，他的笔一下子松了。
陈钧德云南写生
另外一次出行是到巴黎，但摔了一跤不能出去写生，陈箴给他做了很多画框，他就在室内默写，默写对他的写生是巨大的突破，所以他写道：“不能满足于记录表象，不要只画可视的东西，而且要画不可视的内涵。”我觉得这个感悟是超越性的，这种可见与不可见，我们讲绘画，绘画的使命是什么？是使不可见成为可见。这让陈钧德把观看从景象再现当中跳出来，进入了一个比较自由的境地。
陈钧德巴黎写生
第三阶段是21世纪，“山林云水”系列，他个人风格强烈起来，油画尚黑，但他却反其道而行；他造型横布，山扑面而来，形成了立轴式的表现方法，一句中国的成语叫“云岚叠岫”，我想就是这个意思。
“山林云水”系列
陈钧德在上海油画“都市写意传统”基础上发展到一个新的高峰。陈钧德找到了色彩松快而强烈的对比，从可见和不可见的感悟中跳出了景象记录。
陈钧德，《山林云水图系列—夏梦清晓图》，116×146cm，布面油画，2008
看到他画云海，踏入了迷白的境地，让整个油画亮起来。看他病中画的香港远景，空门浮动，犹如惠风。让我想起苏东坡《望湖楼醉书》：“黑云翻墨未遮山，白雨跳珠乱入船，卷地风来忽吹散，望湖楼下水如天。”陈钧德的艺术有一种语言研究的精微。众人尚黑，他却迷白。我想他肯定研究过张岱的《湖心亭看雪》，“上下一白”的诗意。
展览作品
陈钧德最后一批作品，让人拍案叫绝。我觉得他一定是悟到什么，感受到生命很短了，所以他用湿粉笔，抓住精微，所以表现快意、松实，让我惊叹，也为之惋惜。
陈钧德晚年画的上海风景
贾方舟（美术批评家）：
过去我们说“陈钧德在当代上海画家中是承上启下的”这句话其实很空泛，但此次展览给我提供了非常充分的根据。
要寻找陈钧德的脉络，可以看到刘海粟、颜文樑、林风眠等在欧洲吸收着不同流派，不同的现代艺术因素完成了他们自己。还有一条暗线，是上海早期画家，比如陈抱一、关良等，他们在日本学习，受到野兽派的影响，在色彩上超越了自然主义，由客观描述自然转向主观抒发情感，这在陈钧德的作品中非常突出。因此，我们研究陈钧德，可以从研究海派受西方现代主义影响的画家上找到源头。
关良给陈钧德的寄语。
第二，陈钧德是一个色彩大师，他在油画语言的最重要的一个方面——色彩。色彩是油画最重要的语言，陈钧德在油画的色彩语言上的推进，到了八十年代以后他色彩天赋真正显现出来。
展览作品
第三，对于现在“有‘高原’没有‘高峰’”的说法，我觉得如果没有“高峰”，“高原”是不是“高原”也值得怀疑？文化的创造者都是个体，文化的最高代表也是个体，没有出类拔萃的个体，“高峰”很难说。
陈钧德，《梦境》，200X300cm，布上油画，2011年
戴士和（中央美院教授，油画家）：
我喜欢陈钧德先生的画，尤其是《梧桐树的林荫道》，这种林荫道在上海很多，他笔下的梧桐树朴实而单纯。他笔下梧桐树的树干几乎是柠檬黄的，但是你不觉得这是后印象派、野兽主义套路，这是他自己的视觉，与心理上是一致的。我们画画不是要夸大其词，而是要让颜色，让造型往心里去，让自己真实的感受能够流露到画面上。
展览现场，《梧桐树的林荫道》
刘淳（艺术史学者，美术批评家）：
我认为陈钧德先生是被中国现代艺术史低估了的画家，目前的研究还只是处在零散的阶段。
此次展览是对陈钧德研究的补充和深入的持续，他的贡献，不仅是完成了数量可观的作品，也不是开创了一种画风，而是在20世纪60年代，拒绝了苏联绘画模式，勇于走出一条属于自己的路，在六十年代，可能很多人不一定有这个胆量，甚至处于麻木的状态，大胆地主张现代主义，尤其是早期印象派的，据我所知，可能就有两个人，一个是1937年2月出生的陈钧德，一个是1937年4月出生的袁运生，他们是同龄人。走出了一条自己的路。一个真正的艺术家，必须永远保持自己的感觉，不被艺术制度操控。
1980年“刘海粟、关良、颜文樑、陈钧德作品展”文献资料
正如先生自己所说：“我画画的双手带着生命之火而来的，只要生命之火还在，我就要继续画下去。”从这句话看，他所理解的绘画，不是简单的手艺和规范，而是与生命有关的活动，他将艺术与生命联系在一起，将艺术当成生命的一部分，任何苦难与快乐，都会使生命变得强大而饱满。
陈钧德，《日映岚光轻锁翠》，120×120cm，布面油画，2008
陈钧德始终在中国大陆生活，可能很少有人能与他相提并论。在他的作品里，我看到一种民国气息，尤其是那些融合中西的作品，隐藏着一种早已逝去时代的特殊表情，所以我们理解和认识陈钧德，不要总是“意象”之类的简单概念出发，应该回到历史的深处，去寻找生命的源头，才能看到一个真正的陈钧德。
陈钧德最后一件作品
张祖英（油画家、中国油画学会副会长）：
我和陈钧德是上海戏剧学院的同学，我一年级时，他是毕业班，我们到学校看的第一个展览就是毕业班到苏州的写生展。我和他也都在刘海粟先生那学习过，所以我们的来往非常密切。
刘海粟与陈钧德夫妇在复兴公园
我想讲几点，第一，陈钧德在创作上，非常勤奋，勤于思考，每年的大量时间，都在写生；另一方面，陈钧德心地善良、处事低调，顺其自然，顺势而为。这种心态，使得他待人于世无争，但是他对艺术充满着火一样的热情。
第二，他的创作大部分来源于写生，但是生活里的写生，他不是照搬自然、照抄生活，他非常善于把自然界的对象和艺术表达做到完美的切换和结合，奥妙无穷。所以看他的作品，能感觉到他画面上的色彩和形体转变的魅力，他的画看得出文化。
陈钧德巴黎写生。
毛时安（文艺评论家）：
对于陈钧德是否属于“海派”的问题，我觉得艺术家是所有艺术关系的总和，陈钧德确实是上海文化环境中成长起来的，上海文化中始终保留着主流文化之外的一块飞地，正是这块飞地，使上海艺术产生了一些独特的、令人注目的艺术家。如果追溯的话，大多延续林风眠、周碧初、吴大羽一脉，也正是上海文化给他们的艺术以传播空间。
陈钧德在1960年代向林风眠学习，图为林风眠作品。
陈钧德醉心于艺术的本体，特别是色彩。他在绘画当中充分享受到了色彩涂抹带来的生命语言。他不是强调功利的画家。所以在沉重的艺术背景下，他特别轻松，也没有取悦市场，而是一个人在艺术小路慢慢行走。
展览中，陈钧德不同时期的自画像
画家和时代的关系，不是公式化的。可以贴近时代，成为一个伟大的画家，但远离时代，也可以成为伟大的画家。他走了一条和时代保持距离的道路。所以艺术没有死路，关键是艺术家自己的天赋和艺术的关系怎么处理。
陈钧德，《帝王之陵》，120×160cm，布面油画，1986
陈钧德是一个让人有愉悦感的画家。不拘泥于物象，他有很多色彩是超越图象、物象的勾勒。他是一个值得研究的个案，就是在上海产生，离开上海这块土地，可能就不会有了。
展览现场，呈现了陈钧德从写实到写意额变化。
李超（艺术史学者，上海美术学院副院长、教授）：
真正跟陈钧德先生交流是写“上海油画史”，当时我学识很浅，但是陈先生很包容我，因为觉得这个小青年还是喜欢做点学问，还是要鼓励他。
从油画史的角度，对于陈钧德一代，做怎样的整体学术的梳理和价值判断和评价，做美术史研究应该有的学术担当。
展览现场，关于1980年“刘海粟、关良、颜文樑、陈钧德作品展”的讲述
第一，关于陈钧德背后的文化形态问题。他出现在上海，如果我们完全是从“海派”或者“非海派”去谈，实际上各有各的说法，我有几个研究的体会供各位参考。
像刘海粟和林风眠，在美术史上没有交流过；林风眠和徐悲鸿，他们交往也没有材料。但他们的后一辈，陈钧德、丁立人等1930年代出生的这批画家，他们都请教过老先生，可以看到，其实老先生并不是没有交往，他们“貌离神合”，一些交流从学生中体现出来。
延伸到上海美术在二十世纪一度处于话语权的中心，1930年代有一个高峰期。抗战爆发后虽然人才“流失”了，但潜流还在，上海先锋实验的形态，没有消失。哪怕在1952年到1959年，上海美专离开了上海后，上海美术教育却没有断层，它有另外一种形态，比如说民间画室等，张充仁、颜文樑、刘海粟等在这种形态里面培养了很多人，陈钧德先生是其中之一。
我认为现代主义的潜流形态，可以从抗战追溯到五十年代，甚至到1970年代的上戏、工艺美校，这个形态的影响力和覆盖面是很大的。
展览现场，闵希文与陈钧德的通信。
第二，中国油画史的研究中背后也是研究中国油画的逻辑问题。一般来讲，油画分“写实”和“现代主义”，但中间地带的逻辑很模糊。陈钧德给了一个启发，实际上是以“后印象主义”为主线，这条路实际上在中国的一百年当中，还没有很好地整理，其中艺术家群体很多是被遮蔽的。这是我们需要重点研究的。
陈钧德，《小息》，116X90cm，布面油画，2015
第三，我看到塞尚的画册，我觉得这次展览抓到了艺术史的见证之物，就是塞尚。上海画家很迷塞尚的，我们现在收集到了一本抗战胜利以后，朱屺瞻送给程十发的塞尚画册，还有建筑师林乐义的塞尚画册，上海画家的塞尚画册也很有讲头。
巴金故居藏《塞尚画册》
潘耀昌（艺术评论家，上海美术学院教授）：
展览不仅体现了陈钧德的作品，也看到了新中国成立后上海绘画的发展轨迹，包括有影响他的和被他影响的。这个是正统的美术史中，还没有关注到这样的地方。
上海解放之初，没有正规的美术院校，刘海粟先生上海美专迁出去了。相对学院的力量削弱了，其他的力量就渐强了。1950年代末，上海人民美术出版社、上海中国画院、美协等相对的力量就变强了，也因为不受学院的拘束，相对显得比较自由。
上戏的舞美系，是解放前延续下来的，是新中国成立后上海最老的、与绘画有关的院系。当时戏剧学院的一些学生，回忆起他们的老师，包括陈钧德先生，在全国批判印象派的形式主义的时候，反而说，舞美要关注色彩，印象派色彩最好。在学院中形成以素描、透视，跟色彩、形体紧密结合的做法。可见在相对独立的院系的教学成果也不容小觑。
陈钧德在上海戏剧学院教授的人物写生。
李晓峰（艺术评论家，上海美术学院教授）：
陈钧德先生的这张脸，白净、斯文，典型上海人的脸，但他对工作和艺术创作却是严谨，我觉得这是解读陈钧德先生的油画不应该忽略的维度。
我想补充一点，陈钧德先生的油画，色彩一出手“洋气”。这种洋气背后隐含的是一种城市文明、城市精神和城市品德。在颜色中，不仅是和煦、温暖，人情味、人性化，甚至看到谦谦君子，彬彬有礼，和蔼的感觉和民主的气息，我想用人格品质去理解他的作品和色彩。
陈钧德，《自画像》，55×55cm，纸板油画，1980年代
他是一股愤世嫉俗的清流，所以才有了那幅1979年“十二人展”轰动的名作《有过普希金肖像的街》。我认为他敢于在当时主流的美术环境下，不作主题创作，他就画风景，这种风景既代表着陈钧德的艺术理想，又呈现了这座城市的品质和美学趣味。我想陈钧德先生内心也许就是热爱自然、热爱城市，所谓大隐隐于市，所以他既是绅士也是隐士。
陈钧德，《有过普希金铜像的街》，50×70cm，布面油画，1977年
俞晓夫（上海美协顾问，油画家）：
我想如果没有特殊的时代，而是一直延续留洋画家的绘画风格，那么陈钧德老师的风格在当下会司空见惯的，但是我们没有这个机会。这并不是否定学习苏联绘画，而是艺术的多元选择。
至于陈钧德的画法，我认为学不会，画家各有气质，但他艺术的专注精神，他对色彩的理解，我们是要好好学习。
陈钧德，《梦中的诗》，150×110cm，布面油画，1986年
李向阳（上海美协顾问，油画家）：
虽然我没有更多的机会跟陈钧德先生有交集，但是我自认为跟他有点沟通，我们都当过兵，都在部队搞过舞台美术，都注重风景、考虑色彩。
虽说有过共同的想法和追求，但是每次看到陈钧德作品，我感到最难的是对比强、反差大，颜色像是从吸管直接挤出来的，最后画面这么漂亮、统一、和谐，他是通过怎样的技法和手段，让整个画面稳定的？这是陈钧德高明的地方，我不行。
看到闵希文先生有一封信，我释怀了。他讲，“学绘画是要天赋的，后天是学不成的。”我突然间心里平静了很多，他是一个天才。而且他有机会能够在刘海粟先生，在林风眠先生边上画画，我生不逢时，没这个机会。
另外，我想说展览名，不一定要叫做“海派油画大师”，海派小了，油画也小了，大师在当下更小了，陈钧德就是陈钧德。
陈钧德，《双人体》，布上油画，150×150cm，2008
周长江（上海美协顾问，油画家）：
我曾在上海戏剧学院学习和任教，对我们这代学生来说，当时老师有很多，但对我来说印象最深是李山和陈钧德。年轻时更喜欢李山，但后来，我和陈老师接触多了，他的艺术感想我知道很多。
他的色彩，是他研究过程的结果。这在中国特别重要，尽管引进西方油画百余年，但是对色彩的重视还比较欠缺。陈老师从写实绘画中逐步走出来一个完全不从于内在心象的色彩，这个色彩是我们中国人，中国文化引出来的色彩，大胆而光明，充满阳光感。
他的颜色体系是暖色调的最高位，他的目的就是为了表达心中的阳光。确实，色彩是最能够表达观感，色彩是最能够表现人的性格。
陈钧德，《柠檬鲜花图》，布上油画，120×120cm，2007
曲丰国（上海戏剧学院副教授、画家）：
我进上戏后，陈老师第一次给我们上课时，我们只有十几岁，陈老师说“明年我就50岁了”，当时第一反应是这么老，没想到我们现在都年过半百了。
我想他所有的源泉都和自然有关。他一有时间，一定是跑到大自然中。他给我们上课的时候说：“你们的老师有两个，不是我，第一是自然，第二是艺术史里的大师”这给我的印象很深。我想他的整个色彩，包括对世界的感受，就是在自然里获得的。
展览现场
他说的“艺术史的大师”是什么呢？我想就是艺术自身不断地运动带给他的刺激，也是他从他身边的，刘海粟、颜文樑先生等艺术大家处获得的。
他从来没有把自己局限在中国的、或是上海的艺术家。他把整个艺术史摊开，全部容纳和接收。他曾经说过一句话——“仔细看，塞尚画里的透视是反的、它是对抗。实际上塞尚画画的时候是站起来的。”我们后来理解，原来陈老师大量画的比例关系，包括透视也是反的。其实他的所有言行，包括后来对学生不断的培养和教育，一直在践行自己的艺术创造方式。
陈钧德，《山野交响》，150×110cm，布面油画，1985
另外，我想陈老师到生命最后的精彩华章，房间里洋溢的根本不是画，那就是一团一团的“火”。陈老师一直在说“艺术燃烧”，他从来没有把自己作为一个所谓的艺术家。他把自己的命运对应到这个世界。最终他发现“自然”就是我。
陈钧德最后的作品《勿忘我》画布背面
姜建忠（上海美术学院教授，油画家）：
八十年代，我在军艺上学，那时候有同学说，画家都集中在北京，上海画家现在都不太知道。当时我就把陈老师的上海街景和《复兴公园》的印刷品给他们看，当时有一些同学很震惊，有一部分不理解，因为那时还是苏派，对于印象派之后的绘画，好多人不太理解。
陈钧德，《复兴公园雪霁》，布上油画，90×120cm，1977
我想说陈老师当时这条路时，是主题性创作盛行的时候，按陈老师的能力，他也可以转换画主题创作，但他没有，他很坚定，民国老先生，像刘海粟、林风眠，他们没走完的路，他就认死理往里走。他是一个谦和人，但他内心是非常强大的，因为内心不强大，他是抵抗不了周围压力的。
陈钧德，《山林云水图》 120×160cm 布面油画，2002
某种程度讲，他当时一个人在战斗，没有参照。一直到九十年代，他的画越走越成熟。他的画，线、面、色彩，带着一种随意性，他的心境也把东西方文化都结合得很自然。
一座城市的文化需要能力非常强的艺术家支撑。看上去是一个大的文化现象，其实是由个人来独立完成的，如果把那几个人抽离了，这座城市的文化也就削弱了。
陈钧德，《上海的早晨》，50×40cm，布面油画，1978年
黄阿忠（上海美术学院教授、画家）：
2017年在北京中国美术馆的展览上，陈钧德最后讲了一句话，很感人，他那时候已经生病了。他说“我要用我最后的力气，还要继续下去。”一下子把情感带进了我们的心。
我们是他的学生，我曾经跟他一起去写生，他跟我讲过，写生是写生命，写自己的生命。他把自己的精神都倾注在他的画里面。
1979年1月，“十二人画展”中《有过普希金铜像的街》感动了很多人。但对学生，他说“你们不要跟我一样。”我感觉陈老师是一个心里很干净的人。因为干净，所以说才会有最后很纯的颜色，这种颜色是打动人的，而且是一般人不可能把那么鲜艳的颜色组合在一起，但在陈老师手上，就达到了某种和谐的意味。
陈钧德最后未完成的作品
查国钧（旅美艺术家）：
陈老师临终前一段时间，我们是一起度过的。他临终之前一天上午，我知道他不行了，我就赶到医院，他看到我就流泪了，我当时也很害怕，不晓得讲什么。结果他讲了一句话：“我走倒不怕，就是不能画画了。” 我2006年回国，我们一起带了四届研究生，变成了非常亲密的朋友，他是我的学长也是同事。他的个性像非常鲜明，但也曾打架，打架是为了学生，为了他带的唯一的研究生跟院长打起来，那次他发火了。
他比我长几岁，我们一起去写生，走了半天，他却选了个地方顶着大太阳画，而且一张两张接着画，我站了半天。他说“你还没动工啊？”最后我钻到一个大树底下，看着他，大热的天，他就戴个帽子站在日头下，我很感动。如今他走了我感触很多，只简单讲这些。
陈钧德，《威尼斯》，73×60cm，布面油画，1999
陈钧德去故宫参观，为此刘海粟写信给徐邦达（左）；刘海粟为陈钧德油画集题字。
顾村言（澎湃新闻艺术主编）：
记得四年前陈钧德先生在中国美术馆的展览，专程看了，很感慨，也与陈老师短暂交流，当时曾想和他做一个对话。这次上海展览的作品比北京的多了不少，因为是文献，可读处也非常之丰富。
确实，陈钧德先生的作品让人印象深刻的是他的色彩，尤其是那些融合中西的作品，既有中国文人写意的趣味，又有印象派的的气息与质感，从中可以看到一种清晰的文脉。他画阳光下的老上海街道，很亮，隐隐的透明感，有一种属于江南的甜媚的美，他身上有着清晰的南方书生气。当然，相比他取法的前辈刘海粟等老先生，似乎少了一些生命中的宏阔与深刻，多了一点淡与甜，这可能与各自的人生经历与体悟有关。其实他早年学习刘海老，是有深刻处的，当然，彼时只是模仿阶段。不管怎么说，在中国同辈画家中，尤其是对比那些画主题画的画家，他的拒绝与自甘边缘，低调而卓然而立，沉向艺术的本体，这个态度是非常难得与可贵的，对当下的艺术家也是值得真正反思的：作为艺术家，想要的到底是艺术，还是别的什么？
张维萍（宁波美术馆馆长）：
陈钧德是宁波镇海籍的艺术家，但一直没有机会了解更多。今天各位对他的描述和评述帮我勾勒出陈钧德的鲜活形象。这个展览对艺术史的研究提供了又一角度。 
展览现场
刘蟾（刘海粟之女）：
陈钧德先生和我们很小就在一起，那时陈钧德来我家里谈画，我觉得他的思想永远是汹涌的，止不住的，他的胸襟就像大海一样，所以我对他的印象很深。
我父亲常说，“蚕吃的是桑叶，吐的是丝，自己又破茧而出，那是一种升华。”我觉得陈钧德就这么走完了他的一生，他给自己总结了最后一条经验，是肺腑之言，“生命为艺术而燃烧，一直到烧完为止。”
我非常感谢陈钧德的背后，他的妻子罗兆莲女士，她的付出是非常大的。我们从小在一起，我知道她打理好一切，所以我们也要感谢罗兆莲女士，我的发言也是表达对她的敬意。
陈钧德
注：本文由速记整理，“海派油画大师陈钧德艺术与文献特展”展出至10月10日。
